C'est à l'extérieur du Ritz que les performers « Il faut brûler pour briller » ont dû finir leur show. Presque mis à la porte par le célébre hôtel de la place Vendôme, « presque » car c'est en effet Youness Anzane organisateur de la manifestation qui a décidé l'arrêt des performances, pour cause le comportements insultant de certains spectateurs envers les performers. La direction de l'hôtel demande aux artistes d'évacuer calmement. Parmi les performers annulés, des comédiennes décident alors de sortir seins nus, par la grande porte...

Une vidéo trés instructive ou comment poser des questions sans cesse omniprésente dans le milieu de l'art, notamment celle qui me vient directement à l'esprit : La sensibilité artistique demande-t-elle à être éduquée ? Pour y rèpondre, (dans un premier temps) je dirais que cette sensibilité ne se résume pas à la connaissance, ni au jugement mais qu'elle est aussi une simple réaction, sorte de « reflexe » à un stimulus... En ce sens l'éducation n'est pas nécessaire. Toutefois, l'éducation artistique peut être conçue comme un acte non dirigiste : elle ouvre simplement de nouveaux champs d'exploration dans la découverte d'une oeuvre d'art, en mettant en lumière des aspects, des contextes, des symboles qui ne se révèlent pas a priori... une certaine part de sensibilité nécessite d'être éduquée pour appprécier une oeuvre d'art sous un aspect disons, plus fouillé. Autant dire, pas comme dans cet article...

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Le concept de culture dominante tente d'imposer l'argument irréfragable d'une diversité pensée comme pathologique. Ce qu'il faut entendre par là, c'est que l'Homme, ensemble de virtualités qui s'actualisent chaque jour, devrait se concevoir comme une entité constante et indivisible... Uniformiser pour se permettre de poser une main toute-puissante sur les libertés de chacun, voilà l'état actuel des choses.

Alors si Marc Jacobs débute ses défilés en retard, débute par la fin, bouscule l'ordre établi, c'est avant tout parce qu'il fait partie des vertueux qui réinventent l'Homme en chaque instant, qui vivent leur folie créatrice sans penser que pour une majorité elle est folie démoniaque, et qui surtout incrustent dans l'instant ce que l'avenir lui-même n'aurait pu imaginer comme horizon.

Défilé Louis Vuitton été 2007. Le déconstructif devient le point d'orgue de la création et se meut sur des corps qui pourraient représenter à eux seuls une beauté décomplexée et peu regardante des yeux avides de normalité. Voilà déjà un des traits à retenir, le beau semble affaire de singularité. Passer son vêtement à l'eau de javel peut rebuter, cela se comprend, mais par-delà nos peurs, n'y a t-il pas ici une mise à jour de l'inhumanité qui existe à l'intérieur de chacun de nous? Si Arthur E.Ginn veut questionner la cause des lectures du marquis de Sade, et questionner quelque part la beauté de ce qui à l'époque était considéré comme laid, il faudra peut-être qu'il prenne en compte le fait que celui-ci a sans doute voulu montrer que le dépassement de l'aporie Bien-Mal, Beau-Laid, se situe à l'intérieur de l'Homme lui-même, qu'elle existe bien mais se cache, et qu'elle doit se fonder sur une morale dénuée d'intérêt politique. Ce dépassement se pense sans avenir de vouloir gouverner l'Homme.


 

La fleur, symbole du romantisme ou d'une certaine intériorié physique révélée, est écrasée, coupée, se décline en papier d'emballage de boucherie ou en cellophane... Et reste belle. Voilà qui amène à repenser la beauté. Est-elle à mettre en relation avec l'amour comme le laissent entendre les mots « LOVE » imprimés en gros lettrage sur les débardeurs de la collection? Tout n'est peut-être pas aussi linéaire et implicite... Il y a une perception de la beauté qui ne se révèle qu'au travers du décalage entre les couleurs des vêtements et celles des accessoires. On passe aisément de la pâleur des robes découpées volontairement à l'éclat de certains sacs composés à partir de surperpositions d'autres Vuitton plus anciens. La femme, comme le disait Georges Vigarello, révèle ses humeurs par sa transparence et souligne son indépendance par ses attributs symboliquement décomplexés.

A Dizzie Gillepsie qui me disait qu'elle trouvait que la mode n'était pas un sujet très enrichissant, je répondrais qu'il est intéressant de tout décomposer et de trouver les nombreuses références auxquelles une pièce de la collection fait référence ; et que tout comme les autres milieux artistiques, la mode se définit par des influences que l'on peut analyser et comprendre. Citons pour ce défilé Yayoi Kusama grande amatrice des pois en tout genre et artiste contemporaine japonaise ayant participé au développement du psychédélisme et du pop art.

Je m'en veux de m'être un peu laissé porter dans cette chronique, et promets de prendre le temps nécessaire à de plus grandes connaissances et références sur un tel sujet . Lébrorement vôtre, Al. 

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Oui, rien n'arrive dans une pièce de Tchekhov.  Pourquoi s'en étonne t-on encore ? La chose est connue, elle fut dite et écrite à mainte reprise. Tchekhov serait d'ailleurs connu pour cela ; lui le bâtisseur de l'empire du néant.
Oui, rien n'arrive dans une pièce de Tchekhov. Pire, imaginez-vous, l'intrigue dans chacune de ses pièces est suspendue autour d'un seul élément : La cessation.

Suspendue ? Non ! Le couperet est tombé bien avant l'acte premier. Ainsi Tchekhov est-il tragique, partageant avec le genre sa notion d'agonie. Les premiers pas du personnage tchekhovien sont marqués par la chute de l'épée de Damoclès et par la plaie qu'elle laisse béante. Plaie qu'on ne panse, ni ne soigne…

La Cerisaie, comme ses autres pièces, est marquée par le sceau du fatalisme. Condamnation unanime pour immobilisme. Le passé n'est plus et le refus de s'adapter aux changements sociétaux est puni sévèrement et irrémédiablement.
Chez Anton Tchekhov, point de geint cependant. Point de lyrisme, d'exaltation de sentiments, point de lutte acharnée contre ce fatalisme qu'on espère surmontable. Non, Lioubov Andréevna n'hurle au secours de personne ; se débattre contre ce fatalisme est pure perte, les personnages  tchekhoviens le savent.
 - Résignation -

Fatalisme conscient qui permet la vie dans cette cerisaie d'une Russie en plein changement. Renaud Matignon est subtil lorsqu'il parle de « trompe-la-mort », car tout est trompe-la-mort chez Tchekhov. Non qu'il y ait défi de la Mort, mais bien plus un ornement délicat, enjolivure, occupation de l'espace et du temps qui comble une attente épouvantable.

Ici s'expliquent ces conversations simples et sans portées, mais surtout l'importance du silence ! Le silence est un aveu disait Euripide. Le silence chez Tchekhov c'est l'absence de tromperie, une lacune dans le divertissement, c'est l'aveu de résignation.

Les personnages de La Cerisaie n'en sont pas des « âmes mortes », car certains survivent à cette cessation, aspect qui distingue d'ailleurs cette pièce des autres écrits de l'auteur. La possibilité d'un après, la jouissance du meilleur s'incarne par Trofimov et Ania notamment. La jeunesse espère, les anciens attendent.

Pas de rythme. Les rires et les larmes dansent sur une musique sans tempo. Tchekhov est russe, il doutait du reste qu'une traduction française de La Cerisaie puisse passionner. « Ils ne comprendront ni Lopakhine, ni la vente de la propriété et ne feront que s'ennuyer » confie t-il à Olga Knipper en 1903.
L'homme russe serait-il donc le seul être à comprendre son compatriote écrivain ?

Question qui affleure, mais que je contourne égoïstement, tant je suis perméable à son théâtre. Une autre question surgit cependant à moi : Comment peut-on jouer La Cerisaie ?

Ou, peut-on la jouer ?

Car il y a débat. Controverse. Parangon de divergence. L'auteur est-il la référence sur son propre travail ? Est-il une sommité sur ses écrits ? … bien davantage, l'auteur a-t-il raison sur l'interprétation de ses œuvres ?

« J'appellerai ma pièce une Comédie » écrit-il, « une comédie gaie. » On le sait aujourd'hui formellement, Anton Tchekhov n'a pas écrit une tragédie.
La Cerisaie, une pièce burlesque ?

Certes, certaines scènes frôlent le truculent, et la perspective lumineuse de certains personnages laisse présager une lueur d'optimisme et de renaissance. Si l'on considère en outre chaque interaction de personnages dans un cadre d'absolu, hors contexte, alors on rit ! On rit de l'attitude puérile de Gaev, et de son obsession pour le billard, on rit du valet de chambre Firs et de «  l'affranchissement des serfs » qu'il vit comme une déconfiture ; de la fougue de Trofimov, de la rigidité de Varia…

« Tu retrouvais partout la vérité hideuse. »
                                                          Musset

Cette vérité hideuse, c'est en premier lieu la vente de la cerisaie, « sans la cerisaie je cesse de comprendre quoi que ce soit à ma vie. » (Lioubov Andréevna. Acte III). Personnifiée malgré son absence, elle domine les moindres gestes, les moindres silences. Personnage central, épicentre du séisme, la propriété trône par sa discrétion. Vérité donc, qu'est la vente. En ceci, sa prise en compte occulte le comique de mots pour une tragédie de situation.
Mais la situation c'est également celle de la Russie de la fin du XIVe et du début du XXe. Le pays est alors en plein changement : Le règne de Nicolas II qui vient de débuter (1894) succède à celui d'Alexandre III est en gardera le caractère autocratique. Mais le pays est cependant en plein changement : le développement économique sous l'impulsion d'un décollage industriel initié par le ministre Witte marqua profondément et durablement la société russe. Le rôle des classes moyennes devint plus conséquent et leur niveau de vie s'améliora, au profit des paysans et ouvriers qui se paupérisèrent atrocement.

Abandon à mes yeux d'une parure comique, La Cerisaie met en berne mon sourire lorsqu'on ne dissimule pas la Vérité. Mais il ne faut pas lire entre les lignes dans une pièce de Tchekhov, ironiquement, c'est d'ailleurs le contraire qui est de rigueur : «  Il [l'auteur] laisse flotter autour de chaque réplique un halo qu'il faut scrupuleusement respecter » (Cahiers Renault Barrault, 1954)

La dichotomie Comédie - Tragédie s'illustrerait-elle dans une vision unidimensionnelle - bidirectionnelle ? L'une ne prenant en compte que l'intérieur, et occultant l'extérieur ?

Donc, il y a débat ou plus littéralement divergence, confrontation. Tchekhov d'une part, Stanislavski et Dantchenko de l'autre ; ces derniers étant les fondateurs en 1897 du Théâtre d'Art de Moscou et metteurs en scène de quatre pièces d'Anton Tchekhov.

« Ce n'est, contrairement à ce que vous affirmez, ni une farce, ni une comédie […] malgré mes efforts pour me maîtriser, j'ai pleuré comme une femme… » Stanislavski.

« Nemirovitch [Dantchenko] et Stanislavski voient réellement autre chose dans ma pièce que ce que j'ai écrit et je peux jurer que les deux n'ont pas lu une seule fois attentivement ma pièce. » Tchekhov

Cette vive querelle perdure encore. Chaque nouvelle représentation de La Cerisaie étant une prise de position sur le caractère de celle-ci. A ce jour, La Cerisaie revêt majoritairement un aspect tragique et déchirant, peu de metteur en scène ayant réussi à donner un ton comique franc et léger à cette pièce.

Ainsi, personne ne joue de La Cerisaie comme Tchekhov l'avait écrite.


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LA CERISAIE - Anton Tchekhov.
Théâtre Sorano.
Mise en scène Didier Carette et Olivier Jeannelle.
Groupe Ex-abrupto.

D.N.C. est de sortie.
De ces réflexions mûrit l'appréhension. Moi qui lis Tchekhov comme je lirais Racine, je craignais qu'on n'abaisse La Cerisaie à un austère vaudeville. Humble partisan de Stanislavski et de sa méthode, je refusais qu'on condamne l'inconstance russe imprégnant la pièce à une inconstance occidentale. Je m'arrête sur ce dernier mot qui prête à confusion et qui voudrait me catégoriser comme un défenseur d'une Russie anti-occidentale et ultranationaliste qu'incarnent les dirigeants actuels du pays. Ce que je tente ici d'exprimer c'est ce sentiment qui est mien de la difficulté de voir jouer cette  inconstance autrement que par l'acteur russe. Celle-ci est caractéristique de cet Homme probablement plus fictif – littéraire – que réel,  qui passe du rire ou larme avec véracité, symbolisant « l'âme russe » et ce problème majeur de la Russie qu'est celui de l'identité.

C'est avec ces doutes que j'entrai, mes compères à ma suite, dans le Théâtre Sorano. J'en sortirai content.

Le décor est épuré voir simpliste mais utilisant la profondeur de l'espace pour distinguer action première et secondaire. Un rideau noir le scinde jusqu'à l'Acte II. Point d'artifice donc, et on comprend vite que c'est sur le seul discours, et le non-discours, que l'atmosphère va se créer ; fidèle à Tchekhov…

D'une libre fidélité cependant, comme en témoigne Charlotta Ivanovna, la gouvernante, qui est ici un personnage anglophone à l'influence Shakespearienne et dont la relation d'origine avec Epikhodov est occultée. Grand regret en outre de voir le triomphe de Lopakhine clairsemé de mauvais hard-rock, musique non appropriée à cette jouissance, cette illustration de libéralisme, et cet assassinat du moujik qu'il était.

Les acteurs sont indubitablement bons, tel ce Trofimov qui symbolise le début des insurrections russes avec l'avenir que l'on sait. (Lénine fonde « L'union pour la lutte pour la libération de la classe des travailleurs » en 1895.)
Il m'apparaît cependant délicat pour ces acteurs de passer du rire aux larmes, de donner corps à ces individus jouant avec les trompe-la-mort, s'occupant à masquer fébrilement leur détresse et leur perte.

Là se joue peut-être l'enjeux même de l'interprétation, et de l'art de la mise en scène ; ce passage si délicat de l'intrigue à la représentation de celle-ci. Entre fidélité et réappropriation se cache peut-être l'intérêt du théâtre.
Pas de regard frôlant l'ethnocentrisme qui amènerait au « choc des civilisations », pas de théâtre russe pour acteurs russes donc, mais bien plus une œuvre centrale aux multiples ramifications.

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« Les gens dînent, ne font que dîner et, pendant ce temps se construit leur bonheur ou se brise leur vie. », Tchekhov, Correspondance.

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 ISSUE #12

Crédit photo : Igor Termenón

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Nous voilà ainsi plongés dans l'ambiance chaude et chaleureuse de ce film de Lelouch de la fin des années 1980. Pour situer temporellement son oeuvre, le cinéaste choisit de faire défiler sous nos yeux les numéros acrobatiques de Sam suivis par les regards des différents occupants de la France à l'époque (Allemands, Américains, Anglais), nous permettant ainsi de le voir grandir de trois à seize ans. Et comme un écho qui se répercutera tout au long du film, après une ascension fulgurante dans ce métier d'artiste, vient la chute, magnifiquement illustrée par la chanson « Qui me dira » de Nicole Croisille, chute qui force Sam à changer de métier et à se lancer dans la construction d'une entreprise de 12.000 employés : Victoria.

Mais voilà, le héros interprété par Jean-Paul Belmondo (César du meilleur acteur en 1989) se rend compte que son entourage proche ne vit qu'au travers de lui et peine à exister indépendament. Alors comme première réponse à ses questions existentielles vient le voyage en solitaire et la traversée de l'Atlantique. Vient aussi la décision de disparaître et de mourir aux yeux de tous pour revisiter les endroits importants de sa vie et clarifier toutes ses zones d'ombre. Il est intéressant de constater que Sam dévoile une toute autre nature quand il est seul, bien plus proche du trapéziste du début du film que de l'homme entouré de maintes relations... Ce n'est pas vraiment qu'il est égoïste, mais plutôt solitaire, considérant que certains plaisirs ne peuvent se partager et surtout que jouer sa vie à pile ou face ne doit pas faire intervenir d'autres participants. La pellicule, elle, ne change pas, ou presque, reste chaude, s'attarde sans doute plus sur les multiples paysages traversés et notament ceux de l'Afrique. Les dialogues sont devenus bien inutiles lorsque Sam voyage, son seul personnage réunissant en lui seul tous les conflits qui peuvent animer un homme dans une telle situation... C'est un peu en cela que la période de solitude de Sam est sans doute l'apogée des idées véhiculées... Beaucoup de fioritures au début du film et un personnage qui se laisse peu percer, et inversion lorsqu'il est seul et que tout le génie artistique tient à nous maintenir en haleine avec un unique personnage !

Serait-ce que Lelouch souhaite nous montrer que l'homme ne peut se révéler que lorsqu'il revient petit à petit sur lui-même? Que le voyage se vit intemporellement et nous fait presque oublier qu'il existe une vie au retour ? A vrai dire, nous ne découvrons l'impact d'un tel choix de vie qu'au travers de la relations qu'il entretient avec sa fille (Marie-Sophie Lelouch)... Lelouch vient sans doute appuyer la théorie freudienne du complexe d'Oedipe en nous décrivant une relation père-fille des plus fusionnelles et même des plus destructrices pour l'entourage si elle n'est pas bercée de lucidité.

Sam a trois ans, je ne peux le gardé. Je suis désespéré. Protégé le, je vous en supplie.

Je m'excuse d'ores et déjà mais il n'y aura pas de conclusion à cette chronique, comme si on ne pouvait pas mettre de fin à ce film, à cette époque, à cet acteur qu'est Jean-Paul Belmondo... Sans doute la plus grande surprise fut la sortie de l'acteur des rôles dans lesquels il a été trop longtemps enfermés, le super-flic, qui ont sans doute quelque peu desservis sa carrière. Je n'aime pas les apologies, mais reste nostalgique de ce grand homme.

« Le meilleur moyen de faire croire que tu connais tout c'est de jamais avoir l'air étonné, parce que toi tu as souvent l'air étonné, ton défaut. On va faire un petit test, je vais te dire deux trois choses étonnantes mais qui ne devront pas t'étonner. Tu es bien concentré ?
- Oui M'sieur...
- Tu sais que tu ressembles au Christ ?... Et voilà t'as replongé ! »

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